La mezcla de la voz es probablemente uno de los aspectos más complicados de la mezcla de audio.
Simplemente porque somos mucho más sensibles al realismo de una voz en una grabación que al realismo de una guitarra eléctrica o de una batería.
Cuando comencé a mezclar mis propias canciones, tenía muchas dificultades para entender qué hacer y por qué. Qué tratamiento agregar, qué ajuste aplicar a tal o cual efecto.
Agregaba plugins siguiendo los consejos que había leído o escuchado, pero sin entender el impacto que esto tenía en la mezcla.
Todo esto me parecía bastante misterioso, de hecho, …
… porque no dominaba los pasos esenciales para mezclar una voz.
Porque efectivamente, aunque no existen reglas para lograr una mezcla de voz, hay un cierto número de pasos estándar que son casi inevitables. Y esto, ya sea que hagas tu mezcla en FL Studio, Cubase o cualquier otro DAW.
Aquí tienes, a través de este artículo, una visión detallada y “paso a paso” de lo que hay que hacer cuando se comienza a mezclar una pista de voz principal.
Paso 1: Define un objetivo
El mayor error que podrías cometer respecto a la mezcla vocal es lanzarte sin haber definido un sonido objetivo.
Diría incluso que es aplicar consejos que has escuchado aquí y allá, en Internet o no, sin haber reflexionado sobre su pertinencia en tu mezcla.
“Comprime con una relación de 6:1 y un ataque de 15 ms.”
“Agrega un ecualizador y corta -5 dB con un filtro en campana a 1200 Hz”
…todos estos consejos deben tomarse con precaución porque:
- solo son aplicables a la canción / a la mezcla de la persona que los da ya que dependen al 100% de la señal de sonido grabada;
- necesariamente variarán según el género musical: no se comprimirá de la misma manera una voz para jazz, para pop o para hard rock.
Es por eso que no encontrarás en Proyecto Home Studio casi ningún número, ningún “ajuste para mezclar bien la voz”, sino solo directrices.
Pero entonces, ¿cómo hacerlo?
Bueno, lo primero que hay que hacer antes de mezclar una pista de voz es plantearse la pregunta sobre el sonido que se desea.
¿Buscas un sonido agresivo, frontal?
¿O por el contrario algo suave y etéreo, con muchas variaciones dinámicas?
¿Tu canción se adaptaría mejor a una voz muy seca o por el contrario a algo con mucha reverberación?
Tómate el tiempo para reflexionar sobre este tipo de preguntas para definir tu sonido de voz objetivo; si es necesario, encuentra una canción de referencia que se asemeje a lo que quieres hacer.
Esto te permitirá mezclar tu voz con un objetivo claro, que corresponderá a tu canción.
Paso 2: Prepara tu pista de voz antes de la mezcla
Generalmente, cuando pensamos en la mezcla de voces principales, pensamos de inmediato en los plugins que vamos a agregar.
Es normal: es la parte más divertida de la mezcla.
Sin embargo, antes de comenzar a agregar efectos de cualquier tipo, es realmente importante preparar correctamente tu pista de canto.
Si partimos del principio de que la grabación es de buena calidad, esta “preparación” se traducirá en dos grandes acciones: el comping y la edición.
El comping
Generalmente, para una misma línea de canto, harás varias tomas.
En los años 60, muchas canciones se hacían en “una toma”, especialmente porque las grabaciones se hacían en cintas magnéticas.
Hoy en día, la tecnología y las capacidades de almacenamiento de nuestras PC permiten realizar fácilmente tres o cuatro tomas para una misma canción.
Consecuencia inmediata: para una línea de canto dada, podrás seleccionar los mejores pasajes y combinarlos.
Por ejemplo, si la 1era frase es mejor en la toma A que en la toma B, conservarás la toma A. Y así sucesivamente para cada frase, cada verso… hasta que obtengas una pista completa y perfecta!
Quizás tengas la impresión de que esto es un poco hacer trampa. Te tranquilizo: esta técnica, que se llama comping, es utilizada por la mayoría de los estudios profesionales.
Excepto en el caso del éxito My Heart Will Go On, ¡pero no todo el mundo es Céline Dion! 😉
Así que tómate el tiempo para hacer varias tomas y compílalas en una sola pista.
Consejo: para ayudarte a seleccionar las partes de tu pieza, puedes usar una comp sheet como esta anotando los mejores pasajes:
La edición
Aún en muy buenas tomas de sonido, siempre hay cosas que no deseamos conservar, como ruidos de respiración o el roce del auricular en el micrófono durante pasajes tranquilos.
En un contexto de home studio, dependiendo de las condiciones en las que grabes, esto puede ser mucho peor:
- ruido de fondo de la computadora;
- ruido de fondo del aire acondicionado;
- un pájaro o un coche afuera;
- …
Cuando el cantante o la cantante canta, este tipo de ruido generalmente queda cubierto, así que no representa un gran problema (pero apaga tu aire acondicionado cuando grabes…).
Sin embargo, en los pasajes tranquilos entre las frases o los versos, es absolutamente necesario eliminar estas anomalías, bajo el riesgo de que resalten aún más durante la mezcla debido a la compresión.
Para ello, simplemente necesitas:
- recortar los pasajes que no deseas conservar utilizando la herramienta adecuada de tu DAW;
- y luego agregar fundidos rápidos al principio y al final de cada stem de audio para evitar que aparezcan clics digitales.
Al final, obtendrás una pista de voz lo más limpia posible, que será más fácil de mezclar.
Paso 3: Ganancia de nivel
Una vez que tu pista ha sido correctamente editada, generalmente es el buen momento para ajustar el nivel de las frases o sílabas.
En otras palabras, para hacer una especie de ganancia de nivel.
Este paso es super importante porque realmente hará la diferencia entre una mezcla amateur y una mezcla profesional.
Al menos en lo que respecta a la mezcla de las voces principales.
Imaginemos que tienes una pista de canto con pasajes suaves y pasajes fuertes:
Si dejas la pista así y tratas de comprimirla, te encontrarás con el siguiente problema:
- si comprimes con un umbral alto, solo los pasajes fuertes se verán afectados;
- pero si bajas el umbral para tener en cuenta los pasajes de bajo nivel, los pasajes fuertes quedarán completamente aplastados por la compresión porque estarán muy por encima del umbral.
Sin embargo, al ajustar frase por frase, verso por verso, e incluso sílaba por sílaba el nivel de la pista, evitarás problemas al agregar efectos y te asegurarás de que cada palabra sea inteligible en la mezcla.
No siempre es necesario llegar hasta la sílaba, pero asegúrate de que, en promedio, las frases estén al nivel correcto.
Para ello, puede utilizar un plugin de ganancia simple con una curva de automatización, o usar un plugin de ajuste automático de ganancia como el Vocal Rider de Waves.
Cabe señalar que este último puede generar automáticamente una curva de automatización, que podrá editar manualmente si es necesario para ser un poco más preciso.
Paso 4: Ecualización sustractiva
La mayoría de las veces, lo primero que deberá hacer al mezclar una voz principal, es limpiarla utilizando la ecualización.
O más precisamente, corregir las frecuencias que no le parecen agradables.
Típicamente, a menudo se encuentran ruidos de fondo en los graves, por debajo de 50-100 Hz, que corresponden más a ruidos de fondo (eléctricos, exteriores…) que a la voz en sí misma.
Todo esto puede eliminarse o atenuarse fácilmente con filtros de paso alto (o low-shelf).
Luego, será necesario corregir los otros problemas de frecuencias que escuche.
Estos pueden estar relacionados con todo tipo de causas más o menos controlables, tales como:
- la acústica de la sala donde graba (sin tratamiento acústico, puede por ejemplo sufrir el efecto de resonancias modales);
- frecuencias un poco duras al oído relacionadas con la construcción del micrófono y/o la calidad del preamplificador;
- frecuencias un poco molestas de la voz que se destacan más con un micrófono que con otro (esto depende de los cantantes);
- la calidad de la actuación del cantante.
Para corregir estos problemas, lo más sencillo es utilizar la técnica habitual de ecualización clásica:
- Identifique el problema o el elemento que desea corregir
- Agregue un filtro EQ en campana con
- un factor Q relativamente alto (4 a 10)
- una amplificación alta (+10 dB, por ejemplo)
- Recorra lentamente el espectro de frecuencias con este filtro hasta que escuche el problema destacarse de manera fuerte (en forma de resonancia, por ejemplo)
- Atenúe la señal (en lugar de los +10dB) en el nivel de la banda de frecuencias en la que se encuentra ajustando si es necesario el factor Q
Insisto especialmente en el primer punto: tómese el tiempo para escuchar primero su pista para identificar los elementos que le molestan. De hecho, aunque la mezcla de voces sea algo preciso, no tiene sentido corregir pequeños problemas que no se escuchan en general, pero que se destacarían debido al filtro de +10 dB…
Una vez que haya completado este paso, su EQ puede parecerse a esto (pero puede ser algo completamente diferente, ya que siempre depende de la señal de origen):
Note que estamos hablando de una ecualización para una voz principal. Si, por ejemplo, mezcla coros, la ecualización será sin duda muy diferente.
Paso 5: De-Esser
Ciertas letras o sílabas tienden a destacarse de manera agresiva en los agudos una vez grabadas por un micrófono.
Típicamente, se trata de sonidos como la consonante “S” pero también de “F”, “T” o “CH”.
Es un fenómeno de audio que se llama en general sibilancia y que puede aparecer de manera más o menos fuerte según el micrófono y la forma de la boca del cantante.
El hecho de que estos sonidos se destaquen puede tener una serie de consecuencias poco agradables para su mezcla: por un lado, será rápidamente molesto para el oyente, pero también perjudicará los efectos de reverberación que agregará después, que son muy sensibles a estos sonidos.
Escuche, por ejemplo, el efecto de las “S” en la textura de la reverberación en este ejemplo:
Por lo tanto, es importante controlar al máximo este fenómeno de sibilancia.
Por supuesto, existen consejos para grabar voces que permiten minimizar el problema, pero a menudo tendrás que tratarlo en la mezcla.
Desafortunadamente, no es posible usar un simple ecualizador para cortar la señal en los 4 o 5 kHz: si cortas de forma permanente, afectará a toda la pista y la voz sonará extraña.
La solución es utilizar lo que se llama un de-esser como el Pro-G de Fabfilter (o una de estas alternativas gratuitas):
A través de un algoritmo multibanda, este efecto te permitirá controlar la sibilancia atenuando únicamente ciertas frecuencias cuando se detectan sonidos tipo “S”.
Por lo tanto, sin afectar las frecuencias que no están relacionadas con el problema.
Sin embargo, ten cuidado de no ajustar el plugin de manera demasiado extrema, ya que podría degradar la señal: unos pocos decibelios de reducción de ganancia (GR) deberían ser suficientes en la mayoría de los casos.
Paso 6: La compresión, inevitable para la mezcla de voces
Una vez que la señal está limpia, podrás pasar a la compresión de la pista de voz.
A veces, no necesitarás compresión. Quizás porque el género musical no lo requiera, o porque ya hubo una compresión analógica durante el tracking.
Dicho esto, el 99% del tiempo, las grabaciones de voz o canto resultan ser bastante dinámicas: algunas frases, algunas sílabas sobresaldrán mientras que otras estarán menos presentes.
Como consecuencia: es imposible hacer que todas las palabras se escuchen claramente en la mezcla. En otras palabras, si intentas ajustar el fader de volumen de tu pista de voz, no lograrás encontrar un ajuste que funcione: en algunos momentos la pista estará demasiado alta y querrás bajar el fader, y en otros momentos las letras estarán ahogadas en la mezcla y querrás subir el fader.
Es una señal de que tu pista necesita compresión para reducir su rango dinámico.
Por lo tanto, añade el compresor de tu elección en la pista (para empezar, el que viene por defecto en tu DAW puede ser un buen punto de partida) y ajústalo para nivelar tu pista:
La cantidad de compresión que aplicarás, que corresponde a la reducción de ganancia (Gain Reduction o GR), dependerá del estilo musical: en música acústica o jazz, probablemente buscarás un efecto mínimo, mientras que en rap o heavy metal necesitarás una voz mucho más frontal, mucho más “agresiva”.
Dicho esto, el objetivo es que el efecto de compresión sea lo menos audible posible, ya que la compresión puede generar artefactos de audio (típicamente, un efecto de bombeo).
Si un solo compresor no es suficiente para homogeneizar el nivel de la pista de voz, no dudes en usar dos en serie para tratar diferentes aspectos de la pista (visita mi guía sobre compresión de voz para más explicaciones).
Paso 7: Ecualización aditiva
Después de la compresión, generalmente es un buen momento para añadir un EQ que trabajará de manera aditiva, es decir, con ajustes de ganancia positivos.
La idea es que ahora que has eliminado los problemas de la señal gracias a la ecualización sustractiva (o al posible de-esser) y que la dinámica está correctamente controlada por la compresión, vas a afinar la respuesta en frecuencias amplificando lo que quieres o necesitas escuchar más.
En otras palabras, vas a mejorar la mezcla de tu pista de voz esculpiendo tu sonido.
Dependerá de ti ver las frecuencias a potenciar y la cantidad de ganancia a aplicar, pero por ejemplo, es común amplificar un poco los bajos para dar más cuerpo a la voz o elevar los agudos para, por el contrario, dar aire y ayudar a que la voz destaque en la mezcla.
Aquí hay un ejemplo de una canción donde los agudos están llevados al extremo (no muy agradable, pero bueno…):
Lo que me lleva a un punto de atención: ciertamente, no me gusta dar reglas ultra precisas, pero si te das cuenta de que tu ecualización supera los +5 o +6 dB, pregúntate “¿tiene sentido lo que estoy haciendo?”.
Así como en una batería, eso puede entenderse fácilmente, deformar una pista de voz puede ser muy rápido — por eso es necesario ser cauteloso.
Ejemplo: en lugar de aumentar los agudos a +15 dB, ¿quizás la mezcla en general es demasiado fuerte en los agudos? En ese caso, reduce los agudos en otras pistas en lugar de deformar la pista de voz… 😉
Paso 8: Saturación (opcional)
Es completamente opcional, pero a veces puede ser interesante añadir saturación armónica.
Puede ser saturación llevada al máximo para generar un efecto especial tipo distorsión, pero por defecto te aconsejo que te mantengas en configuraciones de saturación más sutiles.
La idea es reforzar el contenido armónico de la señal para hacer que el sonido sea un poco más cálido, un poco más interesante, un poco más notable en la mezcla.
Ten en cuenta que esta técnica no es específica para la mezcla de voces: se puede aplicar a todo tipo de instrumentos.
Por supuesto, si la grabación ya se ha realizado con un preamplificador coloreado (tipo Neve, por ejemplo), añadir saturación nuevamente puede no aportar mucho — incluso puede perjudicar la calidad de la mezcla.
En cambio, si el preamplificador utilizado es neutro (que es el caso de la mayoría de los preamplificadores integrados en las tarjetas de sonido) o tiende a dar un sonido bastante plano, entonces probablemente valga la pena añadir un poco de saturación cosmética, gracias a plugins que simulan cintas magnéticas, por ejemplo.
Algunas recomendaciones de plugins:
- Kazrog True Iron;
- Waves J37 (-10% con este enlace y el código que aparece);
- Soundtoys Radiator;
- o por ejemplo uno de estos plugins de saturación gratuitos.
Paso 9: Compresión paralela (opcional)
Por supuesto, todo tipo de tratamientos pueden aplicarse a las voces.
El objetivo de este artículo no es listar la multitud de posibilidades existentes — de lo contrario, simplemente estarías perdido(a) en medio de toda esta información (sabiendo que ya hay mucha en esta página 🙂 ).
Sin embargo, una técnica que es tanto muy práctica como comúnmente utilizada es la llamada “compresión paralela” o “compresión de Nueva York”.
Este método consiste en comprimir fuertemente una pista idéntica a la pista de voz base y luego mezclarla sutilmente con la señal original.
Esto permite mantener los picos y parte de la dinámica de la señal, pero apoyando “desde abajo” los sonidos más suaves, lo que hace que la voz resalte fácilmente en la mezcla en comparación con otros instrumentos.
Para más información, te invito a consultar mi tutorial sobre compresión paralela.
Paso 10: Reverb y Delay
Finalmente, el último paso consiste a menudo en posicionar la voz principal en un espacio estéreo, en tres dimensiones.
Es decir, añadir reverb a tu pista de voz.
Por defecto, te aconsejo hacerlo al final para evitar que el efecto oculte ciertos defectos o problemas en tu mezcla.
Finalmente, hablo de la reverb, pero también es posible utilizar otros efectos como, por ejemplo, los delays.
Simplemente, depende de los estilos musicales y de la densidad del efecto que buscas.
Reverb
Para hacer que la voz suene menos seca, agregar un plugin de reverberación suele ser la solución más simple.
De hecho, este efecto permite instantáneamente hacer que una voz sea más interesante al darle una dimensión estéreo.
La contrapartida es que cuanto más reverberación añadas a una voz, más parecerá lejana:
La duración de la reverberación y su volumen relativo en comparación con la pista de voz serán, por lo tanto, dos parámetros críticos que deberás dominar:
- una reverberación demasiado larga ahogará la señal base y las letras serán menos inteligibles;
- una reverberación demasiado fuerte dará una sensación de lejanía de la fuente sonora.
Así que, para ciertos géneros musicales modernos que requieren una voz muy frontal en la mezcla, puede que debas prescindir de la reverberación.
Luego, el tipo de reverberación también influirá en su efectividad dentro de la mezcla.
Personalmente, tengo una pequeña preferencia por las reverberaciones de placas (en particular Abbey Road Reverb Plates de Waves: -10% con este enlace y el código que aparece) así como por algunas reverberaciones algorítmicas (como las de ValhallaDSP).
Pero, por supuesto, eres libre de experimentar con todas las salidas de plugins.
Delay
Cuando una reverberación no es adecuada para dar dimensión a una pista de voz, puede ser interesante utilizar un efecto de delay (o eco en francés, es lo mismo).
Esto puede parecer sorprendente, ya que el delay a menudo se percibe un poco como un efecto especial, pero es, sin embargo, un efecto comúnmente utilizado durante la mezcla de voces.
Más precisamente, muchos ingenieros utilizan una técnica llamada slapback delay — muy simple pero extremadamente efectiva para dar profundidad a una voz.
Concretamente, consiste en utilizar un plugin de delay configurado de la siguiente manera:
- un tiempo de eco extremadamente corto (50-100 ms en promedio);
- una sola repetición (por lo tanto, un ajuste de feedback al 0%);
- solo mono (la repetición de la señal en el canal izquierdo es idéntica a la del canal derecho).
Por supuesto, ecualizar el efecto de eco es necesario para evitar que domine demasiado sobre la pista base.
Visita este artículo para un poco más de información sobre el tema.
¡Felicidades, ahora sabes mezclar una voz!
Primero que nada, ¡felicitaciones por haber llegado al final de este largo artículo! 🙂
Ahora conoces los pasos para lograr la mezcla de una voz principal, sin importar el estilo de música o la grabación (aunque la calidad de tu mezcla dependerá, por supuesto, de la calidad de la toma de sonido).
Ahora, el último paso es simplemente ponerlo en práctica: toma una mezcla antigua, quita todos los efectos de la pista de voz y vuelve a mezclarla siguiendo los pasos de este artículo.
Luego haz lo mismo con tu próxima canción.
Rápidamente, notarás que tus pistas de canto serán más impactantes y ocuparán más su lugar en la mezcla.
Con esto, ¡hasta pronto para más artículos sobre mezcla de audio! 🙂