La compresión de audio es probablemente el efecto más difícil de entender y dominar.
¿No es así?
Debo admitir que yo mismo tardé mucho en entender cómo usarlo. Tanto la ecualización, las reverberaciones, los delays… eso iba bien — pero la compresión seguía siendo para mí una ciencia oscura.
Más allá de comprender el efecto en sí y los diferentes ajustes habituales de los plugins de compresión, tenía sobre todo dificultades para visualizar por qué lo necesitaba.
De hecho, el problema es que un compresor puede servir para muchas cosas.
Para simplificar, se dice a menudo que sirve para reducir el rango dinámico (Dynamic Range en inglés), es decir, la diferencia entre los sonidos suaves y los sonidos fuertes de una grabación.
Desafortunadamente (o afortunadamente quizás), la realidad es más compleja.
Así que, he decidido compartir con ustedes esta lista de 6 posibles usos de la compresión en una mezcla. Espero que les ayude a entender mejor lo que pueden hacer con un compresor durante la mezcla o el mastering.
1 – Atenuar los picos
Ajustes habituales: Ataque rápido, Release rápido a medio
Un uso clásico de la compresión.
Si el rango dinámico de una grabación es muy amplio, entonces los picos pueden sobresalir mucho más que el resto durante la mezcla.
El resultado será un sonido con poca presencia y volumen, difícil de percibir en la mezcla.
Esto es típicamente lo que puede suceder con una caja clara. Por mucho que la ecualices, si los transitorios (los picos que marcan el ataque de la baqueta) son mucho más fuertes que el resto del sonido, entonces tu caja clara carecerá de impacto y peso.
Por otro lado, al comprimir este transitorio, el nivel del pico inicial se atenuará y, por lo tanto, estará más cerca del de la cola. Entonces escucharás mejor los detalles del cuerpo del instrumento.
Es en este tipo de situaciones donde destacan los compresores de estilo “1176”, de los cuales existen emulaciones en forma de plugins. Son famosos por tener un ataque muy rápido (alrededor de 20 microsegundos) que les permite controlar los picos/transitorios de manera óptima.
2 – Añadir punch
Ajustes habituales: Ataque medio, Release variable
Sin embargo, a veces es la operación inversa la que se necesita: los picos están aproximadamente al mismo nivel que el resto del sonido del instrumento, y la grabación carece de punch, energía, e incluso agresividad.
¿La solución?
Con un compresor, vas a comprimir el sonido justo después de los picos. Esto significa que deberás usar un ataque más lento, para que la compresión ocurra una vez que el transitorio ha pasado. De esta manera, los sonidos que no son picos serán atenuados.
Luego, sube el nivel de la pista con el Make-Up gain y ¡listo! Has ganado en potencia 🙂
El ejemplo típico es el de una guitarra acústica. Si quieres escuchar más claramente el strumming, o el ataque del pua sobre las cuerdas, entonces deberás comprimir el sonido entre los picos para que resalten.
Utiliza para ello un ataque lo suficientemente lento para que los picos no sean comprimidos, y un release lo suficientemente rápido para que el compresor vuelva a cero antes del siguiente pico.
3 – Nivelar una grabación
Ajustes habituales: Ataque medio, Release medio
Un poco en la continuidad del ejemplo anterior, también es posible con un compresor nivelar el sonido de una grabación.
En otras palabras, no necesariamente vamos a comprimir los transitorios, sino más bien el cuerpo del instrumento o de la voz. El objetivo es tener un nivel más homogéneo, que resalte bien en la mezcla.
Es típicamente en este tipo de situaciones donde utilizamos los célebres compresores tipo “LA-2A” (o sus emulaciones en plugins). Muy simples de usar ya que generalmente no es posible ajustar el ataque o el release, suavizan el sonido y permiten tener un nivel más constante.
Te recomiendo especialmente probar esta técnica en grabaciones de bajo, piano o voz si tienes la impresión de que tu instrumento aparece y desaparece en tu mezcla.
4 – Añadir color
Ajustes habituales: no importa
Un gran número de compresores analógicos son conocidos por añadir color y carácter al sonido cuando procesan una señal de audio.
Este fenómeno se debe simplemente a la elección de los componentes que se encuentran en su interior (válvulas, transistores, diodos…).
Este es el caso, por ejemplo, de los modelos vintage que mencioné anteriormente, como el 1176 de UREI o el LA-2A de Teletronix.
Ciertamente, para añadir calidez a tus mezclas, puedes utilizar un simple plugin de saturación. Sin embargo, algunos plugins dedicados a la compresión simulan con más o menos fidelidad compresores vintage y su coloración característica.
Así que, si deseas dar carácter a tus piezas o incluso un verdadero feeling vintage, puedes recurrir a este tipo de plugins. Aunque el efecto puede parecer a veces sutil, rápidamente hará la diferencia si lo usas en varias pistas!
Consejo: en muchos casos, ni siquiera es necesario activar la compresión para obtener coloración. Mantén una relación unitaria (1:1) y simplemente disfruta de la simulación analógica de tu plugin 🙂
5 – Añadir “pegamento”
Ajustes habituales: Ratio bajo (1.5:1 o 2:1), solo unos dB de reducción de ganancia
Por mucho que comprimas y mezcles lo mejor posible tus diferentes pistas, a veces tendrás la impresión de que el conjunto carece de coherencia.
Como si los instrumentos tocaran todos en un lugar diferente.
Quizás la causa sea la grabación inicial — sea como sea, la compresión puede ayudarte nuevamente en esta situación.
Más precisamente, la compresión de bus.
La idea general es aplicar una compresión ligera sobre un grupo de pistas. Por ejemplo, un grupo de pistas de batería (bombo, caja, overheads…).
Si mantienes un ratio bajo y solo 2 o 3 decibelios de reducción de ganancia, el sonido de los diferentes instrumentos se volverá de alguna manera más cohesionado, más coherente.
Se dice que añadimos “pegamento”. Un pegamento sonoro, en cierto modo.
Sin embargo, ten cuidado, ya que unos malos ajustes pueden desestabilizar rápidamente tu mezcla, especialmente porque todos los instrumentos que hayas agrupado en tu bus se verán afectados. Así que sé prudente y utiliza esta técnica con ligereza…
6 – Y por último, la compresión paralela
Ajustes habituales: Umbral muy bajo, Ratio bajo, Procesamiento en paralelo
Último punto de esta lista, la compresión paralela. Es una técnica muy práctica pero que no se debe usar ciegamente en todas las mezclas.
La idea es de mezclar dos señales:
- Una señal “dry”, sin compresión
- Una señal “wet”, idéntica pero con compresión adicional
En imagen:
El objetivo es generalmente mantener la dinámica de la grabación (por lo tanto los picos) gracias a la señal “dry”, pero añadir sutilmente la señal fuertemente comprimida. Por lo tanto, los transitorios no se verán afectados, pero los sonidos que inicialmente son de bajo volumen serán más presentes.
Esto permite obtener un sonido más grueso, más denso, sin sacrificar la dinámica del instrumento o de la mezcla. No dude, además, en utilizar un compresor coloreado como los mencionados anteriormente para un efecto más interesante.
Esta técnica también se llama Compresión de Nueva York. Se utiliza a menudo en los buses de batería, pero también en el momento del mastering.
Para más información, no dude en echar un vistazo a mi artículo dedicado a la compresión paralela.
En conclusión
Como puede ver, los compresores pueden ser utilizados en muchas situaciones para obtener efectos muy diferentes.
Por supuesto, cada mezcla tiene sus especificidades. Dentro de un mismo álbum, es una mala idea pensar “absolutamente tengo que comprimir mi batería porque lo hice la última vez”. Tómese el tiempo para preguntarse qué puede mejorar. Para ello, esta lista seguramente le dará algunas pistas…
¿Y ustedes, cuáles de estas técnicas ya utilizaban? 🙂